TUTORIA 4 ARTE Y COMPUTACIÓN

ARTE Y COMPUTACIÓN

Media Art o Arte Electronico

Logran transmitir este carácter global de todas las manifestaciones artísticas que utilizan las llamadas nuevas tecnologías (audiovisuales, computerizadas, telemáticas). Cuando se habla del arte o sistema interactivo, se refiere específicamente al arte/sistema que emplea interfaces técnicas para establecer relaciones entre el público y la obra.

Claudia Giannetti es una teórica e investigadora de origen italobrasileño, especializada en arte contemporáneo, media art y arte, ciencia y tecnología, residente en Barcelona desde 1988. Está considerada como una de las especialistas más relevantes en el campo del arte electrónico y digital o media art del ámbito internacional, analizo el arte interactivo como punto de partida para el planteamiento de un nuevo discurso estético, teniendo en cuenta la relación de interdependencia y complementariedad entre creador, obra y espectador partícipe, son dos temas centrales de Estética Digital.

Las tecnologías digitales han cambiado y continúan cambiando la praxis artística, sobre todo la relación artista-espectador-obra, una relación que en el arte electrónico se da a partir de un recurso muy específico, propio de los medios digitales: la interactividad. "Claudia Giannetti"

La interactividad es un elemento central en el arte digital, que ofrece al espectador la posibilidad de intervenir activamente en la producción de la obra. Estaríamos hablando, entonces, de obras en las cuales predomina la noción de proceso.

El arte y la tecnología son dos rostros de la creatividad humana, dos que además se encuentran estrechamente relacionados, a pesar de las diferencias que en apariencia tienen entre sí. Cuando pensamos en una obra de arte y en un avance tecnológico podemos ver que al fusionarlos se logra un nivel mayor de intencionalidad, se obtiene recursos para dar relevancia a un acto artístico, o a una obra especifica.

En este sentido, la relación entre una y otra actividad humana podría encontrarse en prácticamente cualquier época, pero sin duda es en tiempos recientes cuando la tecnología posee una presencia, tan persistente, de algún modo tan ineludible, que el arte se ha encargado de incorporarla a sus procesos, tanto como un recurso, un instrumento, como parte del examen de la realidad contemporánea y así generar mayor expectativa entre el creador, obra y espectador.

Las proyecciones digitales, el desarrollo del sonido de alta fidelidad, el videomapping, el uso de apps que complementan una exposición o una obra, la transformación del cine gracias a tecnologías como el 3D, la influencia de las redes sociales y su particular forma de comunicación en la literatura y la poesía, son algunas muestras de cómo la tecnología se ha ido filtrando hacia el quehacer artístico, tomando el lugar de los óleos de antaño y en muchos casos generando nuevas formas de aprehender fragmentos de la realidad desde la perspectiva estética.

Curiosamente, esta última característica de nuestra época es de algún modo recíproca, pues también ha derivado en una suerte de popularización de cierta actitud artística frente a la vida. El hecho, por ejemplo, de que un teléfono portátil esté equipado con una cámara fotográfica de buena calidad, hace posible que al menos potencialmente cualquiera pueda tomar una buena fotografía, acaso también, por qué no, una fotografía artística. La tecnología moderna, a través de todo tipo de gadgets, pero especialmente a través de los smartphones que han logrado una enorme penetración, ha empoderado a los ciudadanos del mundo con la capacidad de ejercer y compartir una veta artística y capturar los momentos más significativos de su existencia de manera fluida.

Como se ha demostrado ampliamente en la historia de la fotografía, es la manipulación de la escena, el juego de luz y del movimiento, la sutil y delicada conjugación de circunstancias materiales y técnicas, lo que hace posible el milagro secreto, el descubrimiento inesperado de esos detalles de la existencia que la lente revela al ojo profano y escéptico, imágenes que nuestro ojo desnudo creería imposibles y que, no obstante, gracias al artificio de la fotografía, se vuelven parte de nosotros y de la mirada con que hacemos nuestro el mundo.

Así, de alguna forma se cumple el ideal profesado por Nietzsche sobre la necesidad de transformar la vida en una obra de arte, de algún modo la sensibilidad estética, el descubrimiento de lo admirable o lo francamente bello que cualquiera de nosotros puede realizar y representar en cualquier tipo de obra literaria acompañada de grandes avances tecnológicos.

MUSEO DIGITAL TOKIO

WEBGRAFIAS

http://elektrart.com/category/arte-y-tecnologia/

https://www.bbc.com/mundo/noticias/2012/10/121004_tecnologia_artes_y_avances_tecnicos_bd

http://hipermedula.org/2018/09/tecnopoeticas-arte-tecnologia-y-sociedad/

CONCLUSIONES TUTORIA N° 4

Tradicionalmente, los artistas acudían a las galerías con sus obras y la galería decidía si el material era lo suficientemente bueno para ser expuesto, Ahora, acuden a internet para exhibir y vender su trabajo.

Posiblemente, el mercado tradicional del arte -coleccionistas, propietarios de galerías, críticos, curadores e incluso otros artistas- puede cuestionar que el artista que utiliza internet para la promoción de su trabajo sea un verdadero profesional.

Una gran preocupación es que, como resultado de tantas herramientas y técnicas nuevas, podamos perder el sentido y la habilidad para evaluar qué es arte de buena calidad

En mi opinión, los artistas tienen ante sí el desafío de, al mismo tiempo, estar más abiertos a las nuevas tecnologías que conducen a nuevas formas de expresión y mantenerse verdaderamente creativos e imaginativos.

Pero aún sí, no hay límites. Y conforme la tecnología -especialmente la informática- continúe progresando, siempre habrá personas dispuestas a experimentar, intentando superar el límite de lo que se ha hecho previamente y que serán excelentes en ello. 

El arte nunca perderá su valor.

EXPERIENCIA

A partir de una aplicación crear un dibujo, específicamente una manzana para hacer uso de las herramientas tecnológicas en nuestro rol como docentes en artes. 

TUTORIA 3 ARTE CONCEPTUAL

ARTE CONCEPTUAL

Es un movimiento que aparece a finales de los años sesenta y setenta con manifestaciones muy diversas y fronteras no del todo definidas. La idea principal parte de que la "verdadera" obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino que consiste en "conceptos" e "ideas". (Con un fuerte componente heredado de los "ready made" de Marcel Duchamp).

“Objetos matemáticos, objetos naturales, objetos salvajes, objetos encontrados, objetos irracionales, objetos ready-made, objetos interpretados, objetos incorporados, objetos móviles.”

A finales de los sesenta con la irrupción del arte conceptual cambiaron además las relaciones de la crítica respecto de la obra de arte. Uno de los elementos clave en este periodo fue el acercamiento de roles de críticos y artistas, muchos de los cuales empezaron a teorizar y analizar sus propios trabajos, elaborando algunos de los textos esenciales sobre Arte Conceptual. Por su lado, los críticos se adentraron con mayor profundidad en el hecho expositivo, elevando la exposición a un nivel singularmente creativo y de tesis, relegando la escritura a un segundo plano. Todos estos tipos ofrecen el carácter común de su inutilidad práctica, de su aspecto turbador y extraño, de la arbitrariedad, contradicción y heterogeneidad de los elementos que lo constituyen.

Los artistas conceptuales han adoptado el papel del crítico para poder definir discursivamente las intenciones de su propio trabajo haciendo de este aspecto Las funciones del crítico y del artista estaban tradicionalmente divididas; al artista le concernía la producción de la obra y el trabajo del crítico era evaluarla e interpretarla.

ARTE CONCEPTUAL 

Marcel Duchamp

 

BODY ART. 

Es un estilo enmarcado en el arte conceptual de gran relevancia en los años1970 en Europa. 

Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta sobre la piel como lienzo. 

Kate Dean 

LAND ART.

La corriente artística Land art es el arte de la naturaleza y una experiencia de conexión entre el los land art artistas y la Madre Tierra. Sus primeras expresiones podríamos decir que fueron las primitivas pinturas rupestres o los dólmenes o círculos de piedras como el Stonehenge. En la actualidad hay una mayor libertad artística que junto con las innovaciones técnicas y conceptuales han liberado a los land art artistas de la tierra para crear sorprendentes obras: esculturas con y en la naturaleza y arquitecturas en la tierra. Algunas de estas obras son gigantescas mientras que otras más pequeñas son sorprendentes por el gran trabajo conceptual, de esfuerzo y por los materiales utilizados para su realización.

Richard Long

CONCEPTUALISMO Y PERFORMANCE

El conceptualismo aparece asociado con la investigación discursiva que adopta al lenguaje como soporte. No todas las ideas tienen por qué materializarse,  Por cada obra de arte que se materializa hay muchas variaciones que no se materializan.

En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso notas, bocetos, maquetas, diálogos, al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.

Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, Process art, performance art, arte povera... Y entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Weiner, el grupo inglés Art and Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

ANTECEDENTES DEL ARTE CONCEPTUAL

Neoplasticismo o Movimiento De Stijl: estilo del arte moderno, surgió en 1917, Piet Mondrian fue su principal referente. Rechaza las formas naturales en el arte y busca depurar todo para llegar a lo fundamental, sintetizando en líneas rectas, cuadrados ó rectángulos, donde a su vez prevalecen los colores primarios.

Dadaísmo: estilo del arte moderno, surgió en 1918, Tristan Tzara fue su principal referente. El movimiento Dada se manifiesta en contra de la tradición en el arte que impero por siglos, la belleza de las obras, rechaza las disciplinas tradicionales y promueve medios y materiales alternativos. Este estilo origina al arte conceptual por establecer que el arte se puede manifestar por cualquier medio y no solo por las disciplinas tradicionales.

Legado de Marcel Duchamp: Diversos historiadores consideran a Duchamp como el “Padre del arte conceptual” al ser creador de las primeras obras conceptuales expuestas en foros importantes como lo son: “Rueda de bicicleta” (1913) y “La Fuente” (urinario) (1917). Y al ser autor del término y técnica conceptual del “Readymade” (arte encontrado o recolectado) acuñado en 1915.

Surrealismo: estilo del arte moderno, surgió en 1924, André Bretón fue su principal referente. El movimiento fundamenta la creación artística producto del subconsciente de la mente a expresarse en diversos medios y se declara en contra del pensamiento racional y de los cánones del arte imperante por siglos. Este arte antecede al arte conceptual al centrar el contenido de la obra en un enfoque primordialmente intelectual, introspectivo y reflexivo.

Movimiento Fluxus: estilo del arte posmoderno, surgió en 1962, George Maciunas fue su principal referente. El Fluxus centra su ideología en los cambios culturales de la época como la música electrónica, el cine experimental, los happenings y el anarquismo entre otros. Se manifiesta contra la tradición en el arte y promueve lo que llama el “anti-arte” su manifiesto establece que “Todo puede ser arte y cualquiera puede hacerlo”.

Minimalismo: estilo del arte posmoderno, surgió en 1965, Richard Wollheim fue su principal referente. El minimalismo centra la creación en la sencillez y pureza de las formas, reduce a lo esencial, da importancia a la espaciosidad e iluminación, su color preponderante es el blanco.

Arte pop: estilo del arte posmoderno, surgió en 1950, Andy Warhol fue su principal referente. El arte pop retoma claramente la ideología del dadaísmo y del movimiento fluxus, sin embargo centra su temática en la cultura popular de la época, las obras critican y exaltan con ironía aspectos como el consumismo, la mediatización, efectos de la publicidad y el espectáculo. Muchas de las obras son hechas en serie y recurren al readymade de objetos de consumo.

Web grafía:

https://www.ecured.cu/Body_art

http://masdearte.com/movimientos/body-art/

https://www.euston96.com/arte-conceptual/

https://proyectoidis.org/land-art/


CONCLUSIONES TUTORIA N° 3

El juego de las posibilidades de la publicidad y su análisis de funciones ocupa el centro de diversos intentos en lo que el arte abandona su autonomía y se sitúa en un contexto socio político.

El concepto y las ideas son diferentes. El primero implica la dirección general mientras que la segunda es el componente. las ideas implementan el concepto.

Las ideas no proceden necesariamente de un orden lógico, pueden ser inesperados.

El artista cambia de opinión en medio de la ejecución de la pieza, compromete el resultado y repite resultados pasados. 

Experiencias